LA HERIDA DEL QUIJOTE

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Friedensreich Hundertwasser o Reino de paz cientos de aguas (1928-2000)

"El arte por el arte es una aberración, la arquitectura por la arquitectura es un crimen" 

Friedensreich Hundertwasser

Jardín de la infancia estatal, Frankfurt Heddernheim

Waldspirale Darmstadt 

Estación de trenes en Uelzen

Friedensreich Hundertwasser

Groucho Marx

"Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer uan excepción."

Pago de la deuda externa Argentina a Andy Warhol. (1985)

Performance en la que Marta Minujín paga la deuda a Andy Warhol con choclos, el oro Latinoamericano. 

Allan Kaprow ¿Qué es esto del Happening?

Happening (evento, suceso) es un tipo de manifestación artística que surge en Estados Unidos en los años 50, frecuentemente multidisciplinar, la propuesta original tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento y la experiencia de sus participantes, los espectadores dejan de ser sujetos pasivos y se transforman en parte de la obra, en tanto representación colectiva. Al constituirse en uan acción, los happening son efímeros por naturaleza, comunmente se desarrollan en lugares públicos de manera que su aparición logre irrumpir en la realidad cotidiana. 

La obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain Collegese, es considerada como el primer happening , tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales, sin trama. Sin embargo, fue Allan Kaprow (alumno de Cage)  a quien se concidera el fundador del Happening.

Happening tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al pop art y a las del movimiento hippie, entre 1964 y 1960 los Provos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Ámsterdam, se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de los  locos años 20, muchas de ellas vinculadas al surrealismo y, sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara, entre otros.

En España, las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946, es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. Su autor las denominó acciones espectáculo.

 

Fluxus: hacer del ready-made una acción

"Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial..."

George Maciunas

Gerorge Bretch, Solo para violín de Maciunas 1964 

Fluxus (flujo) es un movimiento artístico que tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978).

"Fluxus-arte-diversión(juego) debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional"   George Maciunas

Su interés principal no está en los objetos, sino en la evocación de lo efímero, la fuidez, la inestabilidad, el cambio, la casualidad, conceptos desarrollados para combatir el arte elitista burgues y su valorazión como objeto de consumo. El arte se vuelve uan experiencia. El fluxus, una fusión entre lo cotidiano y o absurdo, invierte la propuesta de Duchamp, si este introdujo lo cotidiano en el arte Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano.

Heredero del Dadá y el Surrealismo, fue capaz de reunir en sus conciertos y festivales  a músicos, compositores, artistas plásticos, poetas, literatos, performistas, etc. generando un espacio interdisiplinar alternativo en el cual pudieran fluir ideas, obras y experiencias.

Fluxus nació, en un principio, como una revista de arte, en la ciudad alemana de Wiesbaden en 1961 con el Festival Festum Fluxorum y con una serie de conciertos en Nueva York. Fue el grupo artístico más abierto e internacionalista, también el más feminista de cualquier otra vanguardia, desde el dadaísmo y el constructivismo ruso. Su desarrollo fue paralelo al pop art y al minimalismo en Estados Unidos.

George Maciunas apoyó el nombre del grupo, en la definición de Henri Bergson para argumentar que nuestra experiencia del mundo no se da momento a momento, sino en un flujo imparable, como cuando escuchamos música.

Elías Canetti (1905-1994) Escritor alemán, Premio Nobel de Literatura en 1981

Obras

Auto de fe, 1936. (Novela).

Notas, 1948 (Aforismos)

Masa y poder, 1960. (Ensayo antropológico).

El otro proceso de Kafka, 1969.

La conciencia de las palabras, 1975.

El suplicio de las moscas (1986-1992)

La lengua absuelta, La antorcha al oído, El juego de ojos y Fiesta bajo las bombas, cuatro tomos autobiográficos.
 
 

La regla es una excepción a la excepción. Jarry y la Patafisica.

Alfred Jarry  (1873-1907) Dramaturgo, novelista y poeta francés, precursor del Dadaísmo, del Surrealismo y del Absurdo, recién llegado a París se convirtió en un habitué de los cenáculos frecuentados por los poetas simbolistas.

Alumno de Henri Bergson (escritor y filósofo francés), consigue el aplauso del gran París en 1896 con Ubu rey, comedia satírica en la que se entremezclan referencias a 'Macbeth' con los excesos de un monarca tan tirano con nobles y plebeyos como cobarde en la guerra. Contra todo pronóstico, el éxito que conoce 'Ubu rey' en el París del final de la belle époque es tal que Jarry escribe una segunda parte con el título de 'Ubu encadenado' (1900). La gloria literaria corre a la par de la autodestrucción a la que el dramaturgo parece condenado irremediablemente. Alternando realidad y ficción en sus delirios de borracho, escribe 'El amor absoluto' (1899), 'Mesalina' (1901) y la curiosa novela ‘El supermacho’, definida en su edición española como "una muestra de los juegos a los que la teoría y la práctica del amor pueden entregarse teniendo por rival a las máquinas, a la velocidad, a todas las fantasías de los avances científicos de comienzos del siglo XX". Para la crítica, tan singular obra vino a ser un curioso ejemplo de "futurismo grotesco".

Alfred Jarry, montaba en bicicleta y pescaba, era diestro en el uso de la espada y llevaba casi siempre dos pistolas descargadas con las que disparaba simbólicamente contra todo pseudo-artista o impostor intelectual que se cruzaba en su camino. 

Muere alcoholizado en 1907, sin llegar a ver la publicación de ‘Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico'. A raíz de su lectura, sus admiradores ponen en marcha una ciencia llamada "patafísica" en 1948, como contrapunto irónico de los Colegios profesionales, las Academias de arte y las ciencias, Mélanie Le Plumet, Oktav Votka y J-H Sainmont fundaron el Colegio de Patafísica, una organización dedicada a difundir la patafísica, que otorgaba títulos rimbombantes a sus miembros. A lo largo de los años, numerosos artistas fueron cooptados como ilustres socios del colegio de patafísica, entre ellos Raymond Queneau, Enrico Baj, Boris Vian, Eugène Ionesco, Jean Genet, Jacques Prévert, Joan Miró, Umberto Eco y Fernando Arrabal, Max Ernst, Joan Miró, Marcel Duchamp, Jean Dubuffet, René Clair.


El colegio de Patafísica se define como una "sociedad docta e inútil dedicada al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones". La palabra «patafísica» es una contracción de ἐπὶ τὰ μετὰ τὰ φυσικά («epí ta metá ta physiká»), que se refiere a 'aquello que se encuentra «alrededor» de lo que está «después» de la Física'. Se basa en el principio de la unidad de los opuestos, y se vuelve un medio de descripción de un universo complementario, constituido de excepciones. En el universo de Alfred Jarry todo es anormalidad, donde la regla es la excepción de la excepción. La regla es lo extraordinario, y eso explica y justifica la existencia de la anormalidad.


El Colegio de Patafísica decretó un periodo de ocultación, pero según parece el 20 de Abril del 2000 celebraron la Desocultación. Anunciaban una exposición de "Agujeros, Nadas y Espejismos" pero al parecer nadie la encontró.

Russell Connor.

El rapto del arte moderno

"Todo el movimiento de la pintura se ha retirado del futuro para orientarse hacia el pasado. Cita, simulación. reapropiación, el arte actual se dedica a reapropiarse de manera más o menos kitsch, de todas las formas y obras del pasado,  cercano, lejano y hasta contemporáneo"

                                                                                                                                           Jean Baudrillard

APROPIACIONISMO

El apropiacionismo es una estrategia de lenguaje que se sitúa como uno de los parámetros fundamentales de lo posmoderno. Se efectúa como una radicalización de los recursos de la cita, sin embargo, no es el concepto de transmisión de imágenes lo que opera aquí, sino, la de su reubicación contextual y ésta orientada inevitablemente hacia las esferas de lo social y lo político.

La apropiación exige siempre  una re-lectura, en tanto se configura desde una práctica de desplazamiento, ya no de un objeto cotidiano como el ready-made, sino de una obra de arte institucionalizada, en este sentido lo que busca desplazar no es tanto la imagen, como los significados proveídos por la tradición. Implica un cuestionamiento a las formas tradicionales de interpretación y recepción (influencia, desarrollo, evolución)  propias del sistema historicista. Ejerce así, su más importante campo de acción en la crítica a los conceptos exigidos por el sistema moderno: originalidad, autenticidad, expresividad y autoría, es decir, es la encargada de desmantelar las narraciones míticas de la modernidad estética. Para ello, los artistas se apropiaron de aquellos soportes en los que se enuncian dichos mitos: la publicidad (Richard Prince), el cine (Cindy Sherman, Robert Longo), el museo (Louis Lawler), la Historia del Arte (Sherrie Levine, Yasumassa Morimura).

Richard Prince, Cowboy (1089)

Cindy Sherman

Robert Longo

                                       

Yasumasa Morimura

Sherrie Levine, After Walker Evans (1981)

Doris Salcedo, 1958 Bogotá, Colombia.

Dirección: Yemeniciler Caddesi No. 66, Persembepazari, Karaköy.

Leandro Eirlich

ESTETICA DEL JUEGO

En La actualidad de lo bello, Gadamer analiza la segunda característica de la actividad lúdica: "el juego no conoce propiamente la distancia entre el que juega y el que mira el juego. El espectador es, claramente, algo más que un mero observador que contempla lo que ocurre ante él; en tanto que participa en el juego, es parte de él." (p.69). Y desde esta perspectiva, se convierte en un hacer comunicativo.

Lo que implica el aproximarse a la obra con una visión dinámica, en tanto es entendida "como proceso de construcción y reconstrucción continuas" (p.20), en el cual el espectador actua como co-jugador, forma parte del juego porque la obra, (producto de este juego) deja siempre un espacio que hay que rellenar; proceso, además, nunca acabado.

Acudiendo a la semiótica de la recepción encontramos un concepto propuesto por Umberto Eco sobre esta premisa participativa: la "cooperación textual" o cooperación del lector como condición de la actualización del texto: el autor, "deberá prever un Lector Modelo capaz de cooperar en la actualización textual de la manera prevista por él y de moverse interpretativamente, igual que él se ha movido genenrativamente."(Lector in fabula, 80)

Si bien los planteamientos de Barthes difieren de la hermenéutica y de la estética de la recepción, en tanto defienden un "ahistoricismo" en la producción y en la recepción discursiva , están indudablemente en la posición crítica que defiende la posición activa del lector y que constituye, desde la teoría literaria, el antecedente más importante en la consolidación de una estética de la interactividad, es decir, de una estética del juego.

El "libro-juego", no permite espectadores sino jugadores porque sólo quien juega hace posible la realización del juego. En este sentido, la obra obedece a una estética que exige la cooperación activa del receptor en la construcción -no desciframiento- del sentido. Las funciones creadoras y receptoras se modifican y se unifican. Las dos producciones de sentido no se pueden separar: el autor, como diseñador consciente de las estructuras textuales, propone una serie de estrategias que invitan al lector al jugar, a participar activamente en la actualización de la obra; el lector, como jugador, no puede situarse al margen como espectador pasivo. Sin su actuación la obra -el juego, la fiesta- no se realiza.

El tipo de las rayas

"El arte de cualquier tipo es exclusivamente político. Lo que se necesita es analizar los limites dentro de los cuales el arte existe y lucha. Aunque la ideología dominante y sus artistas asociados intentan por todos los medios camuflarlos, y auqnue todavía es demasiado temprano -no existen aún las condiciones- para eliminarlos- ha llegado el momento de desvelarlos." 

Daniel Buren